APROPIACIÓN CRÍTICA
APROPIACIÓN NO CRÍTICA
%2C%E2%80%9D%2B1991.jpg)
http://www.robertoverweg.com/
APROPIACIÓN NO CRÍTICA
SHERRIE LEVINE
Fountain (Madonna), 1991“No interesa que en clase se desarrolle la originalidad ni la habilidad”.
Antonio Zúñiga al inicio de la clase del 14 de octubre del 2014.
“La obra de arte ha sido siempre susceptible de reproducción. Lo que los hombres habían hecho, podía ser imitado por los hombres. Los alumnos han hecho copias como ejercicio artístico, los maestros las hacen para difundir las obras, y finalmente copian también terceros ansiosos de ganancias. Frente a todo ello, la reproducción técnica de la obra de arte es algo nuevo que se impone en la historia intermitentemente, a empellones muy distantes unos de otros, pero con intensidad creciente.”
Walter Benjamin en La obra de arte en la época de su reproducción mecánica.
El apropiacionismo es una corriente artística que
sigue el procedimiento de la apropiación. En las artes visuales, el
término apropiación se refiere, a menudo, al uso de elementos
tomados de otra obra para la creación de una nueva obra.
Estos elementos tomados pueden ser imágenes, formas
o estilos de la historia del arte o de la cultura popular, o bien
materiales o técnicas obtenidas de un contexto no artístico. Desde
la década de 1980 el término también se refiere más
específicamente al hecho de citar la obra de otro artista para crear
una nueva obra. Por lo tanto, la obra puede alterar o no la obra
original, así como sus significados.
Desde la propuesta de Walter Benjamin se consideraba
que la reproducción de una obra de arte implica la pérdida de su
aura más primitiva. Pero sin embargo, la apropiación y la
derivación de la obra original puede conllevar a una nueva aura.
“No se trata de que la reproducción no logre reflejar fielmente ciertos aspectos de una imagen; se trata de que la reproducción hace posible, e incluso inevitable, que una imagen sea utilizada para numerosos fines distintos y que la imagen reproducida, al contrario de la original, se presta a tales usos”.John Berger en Modos de Ver (1974:15)
La apropiación la podemos dividir en dos tipologías:
Apropiación Crítica y Apropiación No Crítica. En la primera, hay
una voluntad de cambiar el significado, de usarlo para subvertir el
orden establecido, el discurso hegemónico. En la segunda tipología,
la apropiación se hace sin una voluntad crítica, más bien como una
mimetización, una influencia de la técnica, una apropiación de un
estilo, etc. Una muestra de la Apropiación No Crítica es como la
publicidad ha sabido utilizar el lenguaje del arte para sus fines.
APROPIACIÓN CRÍTICA
Como explica el artista: “I learned that the pavillion’s present appearance was tied to Hitler’s rise to power in 1933. As part of an excursion to Venice for a meeting with his comrade Benito Mussolini, the man who had not succeeded as a painter in Vienna, paid a visit to the Biennale and the German pavilion. Hitler did not like what he saw. As a consequence, by 1937 an exhibition titled Degenerate Art opened in Munich, and plans for the re-styling of the pavilion in Venice were approved. A new national corporate identity was in the making – and so were preparations for the expansion of Germany beyond its borders and the introduction of a deadly programme of ethnic cleansing.” (Hans Haacke en an essay for Tate Papers).
SHERRIE LEVINE
After Walker Evans, 1980
Sherrie Levine es una fotógrafa y artista
apropiacionista Americana cuyos trabajos se basan principalmente en
su propia versión de la re-fotografía, creando sus propias obras a
partir de otros trabajos y su significado.
El acto apropiativo de Levine se extiende sólo a
creadores masculinos, considerados “artistas héroes de la
modernidad del sigloXX”. Este hecho puede interpretarse en un
contexto feminista que plantea los distintos roles
feminidad-masculinidad, así como una reflexión crítica sobre la
cuestión del género, más allá de la diferencia sexual.
En “After Walker Evans”, la artista fotografió
las fotografías de Walker Evans del catálogo de la exposición
“First and Last.” y las exhibió sin ninguna manipulación en
1980 en la galería de arte de Nueva York “Metro Pictures”. Con
ello y bajo la idea de “A picture is no substitute for anything”
(Una imagen no es sustituta de nada), critica la relación
arte-representación, y se cuestiona la originalidad, la intención y
la expresividad modernas, afirmando que se podía volver a
fotografiar una imagen y crear algo nuevo en el proceso.
HANS HAACKE
Germania, 1993
Hans Haacke (Colonia, 1936) es considerado pionero de
la llamada crítica institucional, vertiente del arte conceptual,
surgida a finales de los años sesenta. Formado y residente en los
Estados Unidos, su obra transita de un puro conceptualismo inicial
hacia un discurso crítico. Sus obras cuestionan los mecanismos y
funciones de las instituciones culturales, políticas y económicas,
que manifiestan ser herramientas activas en la construcción y
transmisión de valores identitarios e ideológicos favorables al
discurso y expansión de la globalización. Construye sistemas de
relación mediante elementos literales tomados del cotidiano, cuyo
significado crítico emerge por colisión simbólica al ser
yuxtapuestos, procurando, más que denunciar, dejar ver la relación
entre arte y comportamiento social.
En este caso, Germania, el artista se apropia del propio pabellón de
Alemania de la Biennal de Venecia para hacer un ejercicio de crítica
institucional y de memoria histórica.
Como explica el artista: “I learned that the pavillion’s present appearance was tied to Hitler’s rise to power in 1933. As part of an excursion to Venice for a meeting with his comrade Benito Mussolini, the man who had not succeeded as a painter in Vienna, paid a visit to the Biennale and the German pavilion. Hitler did not like what he saw. As a consequence, by 1937 an exhibition titled Degenerate Art opened in Munich, and plans for the re-styling of the pavilion in Venice were approved. A new national corporate identity was in the making – and so were preparations for the expansion of Germany beyond its borders and the introduction of a deadly programme of ethnic cleansing.” (Hans Haacke en an essay for Tate Papers).
GUERRILLA GIRLS
1989
Las Guerrilla Girls utilizaban la apropiación
intervenida con una intención clara de denuncia. Las Guerrilla Girls
eran un colectivo de artistas feministas. El grupo nació en Nueva
York en 1984 y se denominaron así por usar tácticas de guerrilla
para desnaturalizar el papel de la mujer en el arte. Su primer
trabajo fue desplegar pósters en las calles de Nueva York para
denunciar el desequilibrio de género y racial de los artistas
representados en galerías y museos. A lo largo de los años,
expandieron su activismo a Hollywood y la industria del cine, la
cultura popular, los estereotipos de género y la corrupción en el
mundo del arte. La apropiación es tanto de obras de arte como de
técnicas publicitarias.
EQUIPO CRÓNICA
La salita, 1970
En el Equipo Crónica, colectivo artístico español
en activo entre 1963-81, la apropiación es tanto
estilística (Pop-Art americano), como también de fragmentos de obras
“maestras” de artistas nacionales (Cervantes, Picasso,...).
La apropiación se hacía con la intención de ironizar
y criticar el relato de la Historia del Arte que se estaba realizando
des del franquismo. Sus pinturas y serigrafías parodiaron los
retratos reales de Velázquez, que en esos años eran utilizados en
carteles publicitarios por el Ministerio de Información y Turismo de
Manuel Fraga. Frente a la imagen grandiosa y pintoresca de España
que el régimen franquista quería proyectar, Equipo Crónica incidía
en otra más sombría recurriendo a la ironía.
ROGELIO LÓPEZ CUENCA
Traverser les idées, 1990; Bienvenidos, 1996; Beaux Arts, 1992.
Rogelio López Cuenca es un artista malagueño
cuya obra se caracteriza por la elaboración a partir de una hábil
combinación de imágenes y objetos y
de los juegos de lenguaje que
utiliza para generar propuestas críticas en relación con el
contexto cotidiano,
a
menudo con el contexto específico de los lugares donde va a exponer.
Para realizar sus obras se apropia
de elementos de los medios de
comunicación, de las señales y carteles urbanos, de la publicidad,
y modifica su mensaje realizando una crítica del entorno de manera
irónica y poética.
En un mundo en el que la distribución de palabras e
imágenes de bienestar acaba constituyendo una especie de muralla
para la comprensión de lo que realmente sucede, López Cuenca busca
las fisuras o grietas para destapar este velo.
Sus obras raptan el esquema de los anuncios
publicitarios e introduce en ellas un mensaje que critica aquello de
lo cual se apropia: saca de contexto eslóganes, consignas y
logotipos (que ya hemos asimilado en nuestra vida cotidiana) y les
asigna nuevas lecturas, provocando un cuestionamiento de
lo que podría ser significado real de estos.
APROPIACIÓN NO CRÍTICA
APROPIACIÓN de la técnica
JULIAN SCHNABEL
PORTRAIT OF TINA CHOW, 1987
El trabajo de Julian Schbanel sería un ejemplo de la apropiación
de la técnica, en este caso del trencadís, sin ninguna voluntad crítica.
APROPIACIÓN del género
WOLFGANG TILLMAN
RAFA CASTELLS y ALBA YRUELA
Wolfgang Tillman y los jóvenes artistas catalanes
Rafa Catells y Alba Yruela, podrían ser un buen ejemplo de la
apropiación del género del bodegón y de la estética de la
fotografía doméstica, pero sin un interés claro por la crítica, sino más bien por un gusto estético.
APROPIACIÓN en la publicidad
Campaña de Young & Rubicam de Tel-Aviv para Magimix
Última cena de la firma de ropa Marithe et Francois Girbaud
Son interminables los ejemplos que podemos encontrar de campañas publicitarias que
utilizan apropiaciones y citas al mundo del arte. Estos ejemplos, aún
que normalmente subvierten el mensaje original, no suelen hacerse
desde un planteamiento crítico.
APROPIACIÓN de escenarios virtuales
ROBERT OVERWEG
Flying and floating, 2011
Robert Overweg es un artista holandés conocido por
su trabajo centrado en el género Game-Photography en el que,
como su nombre indica, mediante foto-captura se obtienen imágenes
dentro del escenario virtual del videojuego. El trabajo de Overweg
demuestra que lo que separa su fotografía virtual de una
foto-captura convencional es el hecho de añadir una intención que
separe el contexto del videojuego de la imagen que atrapa, dándole
así un interés propio. A partir de esta premisa Robert Overweg se
considera a sí mismo como un “fotógrafo virtual” que ve los
mundos de los Shooters de 1º y 3º persona como “nuevos
espacios públicos de la sociedad contemporánea”, en donde explora
libremente los límites entre el mundo virtual y físico.
PROPUESTAS DIDÁCTICAS
El o la docente pide que para el próximo día se
realice un trabajo sobre la apropiación de 1 página a partir de la
técnica del copiar y pegar. Durante el próximo día se
intenta realizar un mapa conceptual sobre los aprendizajes que los
alumnos han hecho a partir de esta experiencia.
De esta forma se realiza un trabajo, de forma
performática, donde el alumnado experiencia la corriente o técnica
estudiada.
A la manera de Rogelio López Cuenca, proponer
realizar composiciones a partir del uso de logotipos que elijan los
alumnos, para generar nuevos mensajes que intenten subvertir el
significado original de los logotipos.
BIBLIOGRAFÍA y recursos WEB
Benjamin,
W.
(2010)
La
obra de arte en la época de su reproducción mecánica.
Madrid:
Casimiro
libros
Berger,
J. (1974). Modos
de ver.
Barcelona: Gustavo Gili
No hay comentarios:
Publicar un comentario