3. Géneros

GÉNEROS

  ¿Qué son los géneros?

Tanto los géneros pictóricos como los cinematográficos funcionan como una clasificación o una etiqueta.

En pintura, los géneros pictóricos tradicionales se dividían en mayores (alegorías, temas religiosos y cuadros de historia) y géneros menores (naturaleza muerta y paisaje). También se dice "pintura de género" a los cuadros que representaban escenas de la vida cotidiana.

Vieja friendo huevos, 1618. Velázquez.

 

Pero géneros artísticos no han  desaparecido del arte, sino que es su jerarquía tradicional  la  que se ha visto alterada. Así, el arte contemporáneo ironiza, mezcla,  confunde y desjerarquiza los géneros tradicionales. Dado este contexto, nos parece  de interés abordar los géneros pictóricos desde dos grandes perspectivas:

1º)  Revisión histórica de los géneros tradicionales (Naturaleza Muerta, Paisaje, Retrato).

2º)  Replanteamiento de los géneros pictóricos a través de las nuevas tecnologías (Fotografía, cine, tv).

 

EL BODEGÓN

En la pintura de género entre 1600 y 1800 en Europa, hay una clara representación de la burguesía que buscaba un reconocimiento social. En estos bodegones aparece la idea de la opulencia, la abundancia y la riqueza.

En cambio, el bodegón de Cézanne de 1890, centra su interés en el lenguaje pictórico, pintando el mundo tal como se presenta ante sus ojos, sin preocuparse por idealizaciones temáticas o afectación en el estilo. Lucha por desarrollar una observación auténtica del mundo visible a través del método más exacto de representarlo en pintura que podía encontrar. Con este fin, fue ordenando cada vez más estructuralmente todo lo que veía en formas simples y planos de color.

Por último, relacionamos el bodegón contemporáneo a través de la artista San Taylor Wood, con su obra "A Little Death" que muestra de forma muy gráfica el replanteamiento del género del bodegón a través del vídeo.

Summer still life, 1995. Wolfang Tilmans

A partir de estas líneas de actuación, pretendemos que el alumno se aproxime a la cultura visual desde la óptica que otorga el estudio de los géneros, cuya jerarquía está precisamente ligada al contenido del cuadro. Asimismo, la revolución del arte de principios del siglo XX comienza por plantearse en términos de una reconsideración crítica de los géneros.

EL RETRATO

"El conocimiento del secreto" por David Hockney

David Hockney, dedicó dos años a investigar algo que le tenía fascinado desde tiempo atrás: un día, mientas visitaba una exposición en la National Gallery del pintor francés Ingres, viendo unos retratos a lápiz realizados por este artista empezó a sorprenderse de que siendo de un tamaño muy pequeño alcanzaban un nivel de perfección en la representación del personaje retratado que era simplemente pasmosa.

The Alexandre Lethiere Family

Portrait of the Princesse de Broglie

Hockney trata de demostrar que desde el siglo XV era común que los pintores usaran la cámara lúcida para hacer todos o parte de sus dibujos. Pero esta no fue patentada hasta el siglo XIX. Hockney cree que realmente fue redescubierta en dicha fecha, pero que antes había sido muy usada y luego cayó en el olvido. Previamente ya era muy conocido el uso de otra técnica, la cámara oscura (conocida al menos desde el siglo X e inventada al parecer en Bagdad), por parte de pintores como Vermeer, cuyo trabajo de las luces es simplemente de otra dimensión, consiguiendo una profundidad de las sombras increíbles.

El retrato fotográfico

Hasta 1850 las técnicas más utilizadas para retratar fueron los daguerrotipos y la calotipia. Pero para poder grabar la imagen, necesitaban largos tiempos de exposición a la luz natural, por lo que para conseguir la inmovilidad de los modelos solían apoyarlos y amarrarlos con disimulados sistemas que no evitaban la rigidez de las posturas e impedían que mostraran la mirada.

La lucha por el desarrollo y control de la técnica fotográfica hará que durante un tiempo el principal objetivo sea el reconocimiento físico del personaje.

Queen Victoria, 1860. Disideri

NADAR

Pero hubo retratistas que fueron más allá de la apariencia, intentando individualizar y dar personalidad a sus imágenes. Un ejemplo es Nadar, quien utilizaba la fotografía como medio de significación y no de producción como había hecho Disideri. Buscaba la expresividad del rostro humano y escogía como buen caricaturista lo más significativo de cada rostro humano aunque eludía lo humorístico y procuraba llenar de dignidad a sus modelos.

Gustave Courbet,1830

SANDER

De la mano de la "Nueva objetividad" abandona el pictorialismo apostando por un retrato fiel y realista. Trata de hacer una fotografía objetiva sin retoques. La objetividad implicaba presentar un amplio abanico de individuos que representaran las distintas jerarquías sociales, económicas, políticas... Su finalidad era documentar una época. Pero Sander acepta la realidad y la registra para salvarla del olvido, pero no la intenta cambiar.

Country Girls, Sander

Member of the Hitler Youth, Sander

DIANE ARBUS

Influenciada por Model y la película "Freaks" (La parada de los monstruos de Tod Browning, Diane Arbus eligió a personas marginales para sus fotografías: gemelos, enfermos mentales, gigantes, familias disfuncionales, fenómenos de circo, etc. Los personajes miraban directamente a la cámara, lo que hace que el flash revele sus defectos. Su intención era producir en el espectador "temor y vergüenza". Fue pionera del flash de relleno (flash de día). La fotografía de Diane representa lo normal como monstruoso: cuando fotografía el dolor, lo encuentra en personas normales. Provoca que la gente presuntamente normal aparezca como anormal. Rompe la composición, sitúa al personaje en el centro. Su mirada siempre es directa, con tensión y fuerza.

Identical Twins, 1961. Diane Arbus

Child with Toy Hand Grenade in Central Park, 1962. Diane Arbus

Young Couple on a bench in Washington Square Park, NYC 1965

RINEKE DYKSTRA

Tomando referencias de los maestros del retrato holandés y flamenco de los siglos XVII y XVIII, de los fotógrafos Diane Arbus y August Sander, y agregando su estilo personal, su obra supone una nueva representación del ser humano en sentido clásico, al realizar una distanciada y aparentemente objetiva interpretación de la imagen. Dijkstra es, ante todo una retratista, que documenta en retratos radicalmente clásicos, con composiciones austeras y puntos de vista casi idénticos, momentos de tránsito, como pueden ser la adolescencia o la maternidad.

Kolobrzeg, Poland, 1992

Sefton Park, Liverpool, 2006

CINDY SHERMAN

Durante los años setenta, Sherman jugó un papel preponderante en la reestructuración feminista del cuerpo, movimiento originado y mantenido por las mujeres. Esta generación creía que “lo personal es político” y los artistas de performance, en su mayoría mujeres, se apropiaron de este axioma y lo transformaron, a la vista de sus logros, en algo asombrosamente real  basado en la disforia existente entre los sexos. La propia Sherman, especialmente en sus comienzos, creó infinidad de personajes con los que quedar apabullado por la cantidad de rostros y cuerpos que era capaz de construir usando su propio cuerpo.   Su importancia como artista reside en este apabullamiento. En su deliberado intento de revelar la naturaleza interpretativa de la psique femenina, Sherman adquiere múltiples y variados rostros. Los seres que emergen de sus brillantes transformaciones pertenecen al glamour de la industria cinematográfica de los años 30 y 40, cuando la belleza femenina era la clave para vender entradas.

GILLIAM WEARING

En la obra "Album" de 2003, Gilliam Wearing realiza retratos de su álbum familiar donde todos los personajes son recreados por ella misma caracterizada con máscaras que imitan a usa familares. 

ZARA 2015

EL PAISAJE

El paisaje es la representación gráfica de la geografíca y la cultura de un país desde el punto de vista de un observador. Es decir, no define el territorio en sí, sino que implica también la observación y la representación del mismo. Existe una selección de todos esos elementos que podemos cuantificar, que vendrá dada por nuestra cultura y nuestra manera individual de percibirlo, y que dará mayor o menor importancia cada aspecto. Este puede ser el movimiento si vamos en un vehículo, la atmósfera o social, o simplemente nuestro estado de ánimo al percibirlo.

Desde el punto de vista del artista, la representación del paisaje exige el desarrollo de varias destrezas, como la representación del espacio, la perspectiva, tanto lineal como atmosférica, el conocimiento del dibujo, el color y la composición. A diferencia de la figura humana o del bodegón, el paisaje es un motivo tan grande que estamos incluidos en él, lo que requiereuna gran capacidad de selección de elementos y síntesis.

El paisaje pictórico aparece en Occidente en el siglo XVII, aunque hubo incursiones previas en este género en el nortede Europa, en las escuelas flamenca y alemana. Los pintores de la escuela de Amberes como Brueghel el Viejo, representaban imaginarios y fantásticos.

En un principio se considera un género de segunda clase, dentro de la visión clasicista en la que lo humano es lo digno de ser representado, así que el paisaje se aceptaba mejor si se utilizaba como alegoría de alguna enseñanza. En el siglo XVII, empieza a ser un género independiente extiende su práctica, de manera que los pintores se especializaban en un tipo de paisaje (llanuras,marinas, con animales...) y encontramos obras dignas de mención como la Vista de Delf Vermeer.

En el siglo XVIII este género se sigue cultivando. De esta época es el italiano Canaletto, apodado así porque pintaba los canales de Venecia, un pionero en el paisaje urbano.

Hacia la mitad del siglo XIX, con el Romanticismo, el paisaje cobra su importancia como género pictórico de primera fila. El hombre deja de pensar en la naturaleza como algo dominado o que tiene que ordenar y se siente atraído por lo que esta tiene de indomable. El artista romántico prefiere lo trágico. Se entra de lleno en la búsqueda de lo sublimecomo categoría artística.

La llegada del impresionismo viene acompañada de hechos tan importantes como la aparición de la fotografía, la luz eléctrica en la ciudad y el desarrollo en la fabricación de pigmentos y óleo. El pintor sale al campo y a la ciudad para realizar  sus obras y no busca un resultado realista.

 Sunrise, 1872. Claude Monet

A lo largo de la historia del arte el paisaje ha sido una temática que ha llegado a ser infravalorada en ocasiones. Sin embargo, diferentes artistas contemporáneos se han basado en él aportándole protagonismo al utilizar la naturaleza como medio de sus obras. El Land Art surgió como vía de escape al comercialismo y buscando un entorno expositivo que estaba sin explotar hasta el momento.

A line made by walking, 1967. Richard Long

Annual rings, 1968. Dennis Oppenheim

Spiral Jetty, 1970. Robert Smithson

Elogio al Horizonte, 1990. Eduardo Chillida

EL PAISAJE CRÍTICO

El proyecto "Sinfonías de la ciudad globalizada" de Marcelo Expósito es una serie videográfica aún en proceso inspirada en las «sinfonías urbanas» cinematográficas producidas en la década de 1920, cuando autores como Walter Ruttmann o Dziga Vertov realizaron retratos cinematográficos del crecimiento de metrópolis como Berlín o Moscú. "Sinfonías de la ciudad globalizada" retrata por el contrario el declive de la industrialización y el futuro de incertidumbre de ciudades portuarias de varias partes del mundo en la globalización.

PROPUESTAS DIDÁCTICAS

1-Bodegón: Pedimos a los alumnos que hagan una recopilación de pinturas de bodegón entre 1600 y 1800. Una vez recopilada la información se propone realizar una copia contemporánea de una de las imágenes. Utilizando la fotografía como medio, tendrán que tener en cuenta temas como la composición, el color, la luz...etc

2-Retrato: Nos centraremos en los referentes más contemporáneos, como Cindy Sherman y Gilliam Wearing. Iniciaremos un debate sobre los modelos representativos de género en la actualidad, podemos partir de series de televisión, cine y publicidad.

¿Cuáles son los modelos con los que nos sentimos identificados? ¿Cuáles no? ¿Hay algún modelo que no encontramos representado en ningún lugar?

El ejercicio que plantearemos será el de representar los modelos invisibles. Los adolescentes deberán representarlos ellos mismos. Por grupos, los alumnos se pueden distribuir el trabajo para conseguir el material, decidir quien será el modelo, quien se encargará de la realización, cuestiones técnicas, etc.

3- Paisaje: Se pedirá a los alumnos que un día en concreto marcado en el calendario con anterioridad, hagan 5 fotos del recorrido que realizan hasta llegar a la escuela. Una vez en clase se imprimirán las imágenes y se generará un debate de representaciones. Las imágenes las podemos disponer en forma de mapa, y se pueden acompañar de textos y dibujos. Entre toda la clase se construirá una narración visual sobre el recorrido y el paisaje.